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吉他雅俗共赏，流派甚多，风格各异，广受大众喜爱。然而，若作为一门规范而系统入门的乐器教学，在基础阶段的技术和理论必备要点学习应该是统一的。就好像你学唱歌，无论你将来要唱民族歌曲还是通俗或流行歌曲，“声乐”的发声学习和歌唱技巧以及音乐理论的学习都是必不可少，绕不开的。换言之，你将来无论弹奏什么样风格的音乐或流派，但这个吉他乐器的基本技术能力、音乐理论的要求是相通的，而且学习时应该越规范越系统越好。
为什么入门最好先学古典吉他？
经常会有朋友或家长问起有关吉他学习的问题。他们很不明白：吉他怎么还分了那么多种类型：民谣、指弹、古典...等等。一开始学习钢琴、小提琴等乐器，就不会遇到这类问题，从来未曾听说孩子初学钢琴学的是“古典钢琴”。而开始学吉他时，就会遇到孩子是学“古典吉他”呢，还是学“民谣弹唱”，亦或是“指弹吉他”这些很有意思且让初学者有些迷惑的问题。中国吉他的解禁（自80年代起）太晚但普及太快，而且是先由大众自学和社会培训而起，而进入音乐学院的专业设立也没多少年，上世纪90年代之后，才陆续在中央音乐学院、上海音乐学院等专业院校设立古典吉他专业，所以，大众对这个乐器的疑惑、误解和偏差也是正常的，这里有历史的原因，有文化的原因，也有人为的原因，不一而足。
目前，我们所说的“古典吉他”教学对于基础阶段解决系统性和规范性的问题就十分有益。古典在英文中是classical,其本质含义是一种音乐的审美标准和价值观，这是欧洲人在文艺复兴前后对古代（希腊等）文明标准的重建和复兴，当时的人们认为具有classical的艺术才是正真“美”的艺术，是一种人们崇尚的审美标准。古典吉他不一定就是要演奏非常“古老”的经典曲目，现代的作曲家为古典吉他写了大量的、活灵活现的现代“classical”的曲目呢！古典这个名称并不表示其仅限于演奏古典时期的音乐，其作品时代范畴可以跨越文艺复兴、巴洛克、古典主义时期、浪漫主义一直到现代音乐，甚至无调性作品。不同音乐风格作品，如古典音乐、弗拉明戈、爵士乐等皆能以古典吉他演奏。古典吉他可独奏，可重奏，可以伴奏艺术歌曲（类似钢琴伴奏），可以与交响乐团协奏，可以吉他乐团合奏，演出形式多样，精彩纷呈。
俄罗斯吉他演奏家罗孚山来中国讲授大师课时，曾有人在现场请他谈谈古典吉他和民谣吉他的相同和区别。罗孚山略微思索片刻，非常认真地说：“它们当然有相似的地方，它们的外表样子很像。但是，古典吉他从音乐审美和表现上应该更接近于钢琴吧。”确实，比起大家更为熟悉的民谣吉他，古典吉他在很多方面其实都存在着很大的差异。民谣吉他多用钢丝弦，而古典吉他是用尼龙弦；民谣吉他的姿势手法相对随性一些，多用于伴奏或自弹自唱，学习起来也相对随意，这便是大家常见的文艺青年们的标配；而古典吉他有严格的姿势和指法；要演奏不同历史时期多声部、多层次的音乐作品；即可独奏、重奏，也可以同管弦乐团协奏，还可以伴奏美声等形式的艺术歌曲，学习过程比较严格和专业。
古典吉他的理论与教学相对比较系统、成熟，技术要求规范、全面，可以从根本上解决左右手技术构建，有了扎实的技术和机能的保障，弹琴更为节约、高效、合理，是各种风格的吉他演奏的技术和机能坚实的基础。所以，吉他入门最好先从古典吉他入手，特别是年龄较小的孩子。
当然，无论古典吉他、民谣弹唱，亦或是指弹吉他、电吉他也好，最终目的都是为了忠实、完美并高质量地表达音乐。真正地弹好哪一类吉他，都不是件容易的事情。无论何种类型的吉他，都是表现音乐的工具，所以吉他的学习，首先是音乐学习是我们的目标，而不能只是为了掌握一样“弹拨”工具而已。表达音乐和提高审美是我们学习的终极目标。
吉他学习必须了解的基本概念
再好的技术指导教材或书籍也不能代替好的老师的指导。对于吉他的学习，我们至少应该涉及构成好的技术的基本的术语或是概念。下面列举一些初学者经常会犯错的基本问题。
在演奏中等难度的片段时，你的各个关节是愉快的、健康的。要避免将你的任何关节过度的弯曲或者伸展；这样的话会导致过度疲劳，最终会造成损伤。放松的、均衡的演奏效果一定是最好的。你具体的手部的姿势、运动（以及身体）的方式取决于你个人的生理特点，因此，你还得向你的老师请教，听听他建议你的身体条件符合怎样的技术方式。
坐姿：
#要坐正、坐直。
#双肩放松。你的身体任何部位的紧张都会影响你的技术和音乐表现。
#双脚都应平放于地面（左脚平置于脚踏）。我看见过不少演奏者喜欢用右脚后跟支撑地面（这样会形成紧张）；或者把右脚缩进椅子底下（这样会造成持琴姿势不稳）。
#通常情况下琴颈都应保持45°的倾角。有些演奏者会将琴颈的倾角放的稍高一些，这样可能会对左手有一定好处。但是我不建议低于45°角的持琴，因为左手在这种持琴方式下的运动会比较困难，大多数的人一开始会将他们的手臂下垂，以获取手和吉他之间更加舒适的姿势。
左、右手的所有技术关键点都会由于你的手的大小、手指的长短和形状，以及你的身材的不同而有细微的变化。再一次我要说的是：向一个好的老师请教！
右手技术：
#你的手腕要相对的直（不要偏向左或右，也不要偏上或偏下）。从你的胳膊的下侧方向去看的话，整个形状略呈拱形，这是由于你的大拇指自然垂落下来在底侧形成的拱形。塌下去的手腕是你不能顺畅的弹奏而且会造成音量过小。而过度拱起的手腕会造成伤害。两者均应避免！
#你的手臂的放置点应该在吉他的琴桥位置相一致的那个点区域。（至于你的手臂离琴体的距离要取决于你的前臂的长度）
#所有类型的手指拨弦运动的力量的来源都应自大关节（手指和手掌连接的关节）。
#靠弦（reststroke）和不靠弦（freestroke）的基本运动是一样的。它们两者之间的差别来自于运动的起始位置（开始拨弦时放置手臂的位置不同）。
#使用不靠弦（freestroke)弹法时，你的大关节应放置于你所要拨的弦的正上方，这样会让你既能充分拨弦，同时又会避开所拨的弦的相邻下一弦。许多人在开始拨弦的时候，并不能充分将右臂充分往前将大关节送至所拨弦的正上方，这样会导致不靠弦弹法时声音很单薄且音量很小，同时当使用不靠弦弹法演奏快速片段时会更加紧张。
#使用靠弦（reststroke）弹法时，你的大关节应放置于你所要拨的弦之后的1-3弦处（这同样取决于你的手指的长度）。接着，随着你充分拨弦之后会直接将手指导向（靠在）下一根相邻的弦上。
#在上述两点都做到位之后，最终在实际的演奏过程中，你还需要能在同一手臂位置情况下两种拨弦方法都能使用（因为经常在一个乐段里你根本没有时间将你的手臂前后调整转换）。虽然这与我刚刚说过的要点有所矛盾，但是谁也不能避开这个问题。通常情况下，侧重于将手臂放置在不靠弦（freestroke）弹法时的位置相，同时学会在这个位置上使用靠弦奏法（reststroke)会是事情更简单一些。请在你的老师的指导下练习这个技术。
#一定要确保你在靠弦（reststroke）和不靠弦（freestroke）之间转换时，你能够清楚地区分出手臂在两者之间位置的区别。
#从手指/指甲尖的左侧拨离（pluckoff）琴弦。尽量做到指肉和指甲同步触弦——这样做会使击弦变得柔和（softentheattack），而同时又保证了很高的清晰度。你的击弦点（attackpoint）一定要保持一致。这些都是能够弹出很棒的声音的关键因素。
#在练习不靠弦弹法（freestroke）时，最好在最初的练习过程中将整个的拨弦过程加以夸张的练习，以保证你的手指的运动幅度是充分的。一个不靠弦（freestroke）奏法的步骤应该分为以下几步：
1）找到正确的触点，培养植弦（plant）意识；
2）仔细体会压弦与释放的感觉；
3）将拨弦手指完全朝向你的手掌心摆动。这个运动是夸张的——但是是有用的，它可以确保你的手指的上部（接近大关节方向）也能参与到整个拨弦运动中来。一旦你掌握你的拨弦运动发自大关节这个技术，你便可以将拨弦的运动过程调整成正常幅度。
4）立即将手指从紧张状态中完全放松。放松之后，手指会自然地反弹回你所拨弦之前。在拨弦手指摆动过程中，其它手指应保持放松；这样或许一些手指会随着拨弦手指而作同步的摆动。大拇指在其它手指拨弦时可以靠在某弦上作为定位支撑之用。
#靠弦（reststroke）奏法的步骤和不靠弦（freestroke）一样，但是拨弦之后的摆动轨迹并不是朝向掌心，而是停靠在相邻下一根弦上。
#拨弦以及之后的摆动的步骤很可能一开始就很好的“结合”在了一起——惯性起到了作用。而下一个步骤就是要在完成拨弦运动之后立即将紧张释放。（其实，拨弦一开始就应该是紧张的释放过程，但是许多演奏者在拨弦运动之后倾向于将手指保持拨弦时的姿势，直到将它们释放）拨弦、摆动和释放从根本上说应该是种反射性的运动。最后，当你能后非常自如、连贯地完成这些步骤，你就要去减少手指从触弦（稳固安放）到考试拨弦之间的间隔时间了。在开始这个过程之前，要确保你对你的击弦点（attack）已有充分自信的把握。但是，只有你在将触弦和拨弦这个过程做成同步时，你才能真正演奏出连贯的音符来（legato）。
#需要安放还是不需要安放——你现在已经知道“稳固安放”的意思了（即：在弦上找到你完美的触弦点）。你可能听到有人把“安放”说成是一种技术手段。我在这一问题上的观点是，我们的每个手指绝对应该为拨弦做好提前安放（或者叫“准备”）。在慢速的练习中，这部分动作经常意味着右手的手指在拨弦之前需接触（靠）该弦，瞬间终止该弦的振动。然而，在实际演奏连音（legato）的过程中，这种安放手指（触弦）的过程必须非常的短暂，是根本听不到的。我们把这个过程称为“瞬时预备奏法”，因为拨弦之前手指不去触弦是根本不可能的（也没这个必要）。这种“植弦”的动作只不过变成了瞬间的动作，但是如果演奏者的基础非常扎实的话，这种触弦点仍然是非常结实的。所以，需要“植弦”？是的。不过你要做得非常迅速！
#练习右手拨弦的最好的方法是在空弦上非常慢的弹奏（或许四分音符弹奏50的速度吧）。弹奏时，仔细观察你的右手；弹奏时，一定要细心体会你的手指感觉；同时要仔细倾听你的发声。如果弹奏过程中有什么问题，这种慢速的练习会让你有时间分析你所不喜欢的东西，然后在下次拨弦时尝试另外一种方法。逐步地修正完善你的拨弦直到你的拨弦连贯一致。总是要尽可能地使你的拨弦得到漂亮的音色、充分的动态以及完美的一致。
左手技术：
#许多人都觉得左手在第7把位时最容易确立他们的姿势，因为胳膊在那个位置可以最自然的悬挂。我建议就从这个把位开始检验你的左手的技术，将你的手指（1-4）放在第7品至第10品的第一弦上。
#手腕需保持顺直，不偏左、偏右或偏上、偏下。
#掌心应与吉他的琴颈（指板）平行；并比较接近指板，但是不应过分与指板接触；且与琴颈处于近似的一个水平面上（不要太高，也不要过低与琴颈）。最后一个要点有可能在弹奏低音弦的时候回有些许变化——你可能需要将手掌稍稍抬高于吉他的琴颈平面。
#你的胳膊/肘部应随着身体自由移动以支撑手腕/手掌的各种姿势。常见的错误：将你的肘部紧贴身体（与手腕偏离）；将你的肘部过分的送出，从而远离你的身体（这样做会造成你的掌心不能保持与指板平行）。
#你的拇指（通常用其指尖关节处支撑）应当放在于琴颈背后第一弦和第六弦中间的位置。无论你在哪个把位演奏，拇指应总是放在比那个把位的起始品高一品的位置。比如，如果你在第七把位上演奏，拇指就应该大致放在第八品的指板后面。拇指过分向左（外）会造成第3和第4指失去平衡和力量，我们大多数人的这两个手指本身就不具备什么优势。
#各指应总是保持完全的独立。比如，应避免1指按弦时2指“附着”在1指上。
#所有的手指都应保持略微的弯曲状（尤其要留意你的第4指），因为紧绷关节会导致失去（对左手的）控制。要特别留意第3、4指的指尖关节和中间关节，因为如果左手未经过良好训练的话，这些关节最容易塌陷。
#一般而言，我们要使用指尖按弦。过分使用指肚（肉垫部分）按弦会干扰相邻的弦的发音，我们演奏多声部的作品时，这会是个大问题。我的第2和第3指的指尖中央形成的茧子，我的第1指的指尖左侧有茧子，我的小指指尖的右侧长有茧子（此处的左右是从正面看我演奏的方向看）。这表明我们的手指在按弦时呈扇形，就像它们把这些品都用扇面遮住一样。手指的精确放置十分取决于不同的具体情况。
左手常见的错误之一就是过度的紧张（用力）。解决这个问题的关键在于加强意识感。关于“意识感”的概念和训练我们随后有专门的章节话题细说。现在，我们来做一个小小的加强”意识感”的练习。在这个练习中，我们先由一个手指开始（任何手指、任何品、任何音符都可以），最初左手不用任何的压力，同时右手拨弦。逐步的增加左手的压力直到得到一个清晰的、结实的音符。你可能会感到意外：原来得到一个清晰的音符所需要的压力其实非常的小。如果你有过分用力的问题，那么建议你加强按弦压力意识感的训练。不过，只有专注并保持有耐心的慢练才能解决问题，改变目前的状况。
#另外一个左手的问题是不按弦的手指的过分运动。手指应总是与指板保持近距离，而不是将其中一两个手指“释放”至远离指板的“偏远”地带。这种情况通常是紧张的体现，它将你的手指带出了“随时准备”按弦的区域。最好的、速度最快的演奏者的手指往往看起来几乎不怎么移动。练习弹过音符之后手指立即放松，让你的手指按过某个音符之后立即悬在该弦上方，然后在朝下一个音符移动。
#换把也是一个常见的大问题，即便是对于一个左手技术已很成熟的人来说也是如此。换把时，你的左手的演奏方式必须保持一致。否则，你就等于在练习太多的技术，讲之前的一种方法的经验削弱，从而降低了演奏的精准度。当你换把时，要确保你的胳膊随着你的手部位置的需要而移动支撑。要保证你的拇指随之运动（不要落在换把速度之后）。
#换把时遇到的另外一个问题是许多演奏者会倾向于太过匆忙，着急地用力猛抓下一个新的和弦，这样感觉不好，而且声音一点也不好听。解决这个问题的最好的办法就是将动作分解五个过程：1.弹奏第一个和弦；2.将力度放松掉（先不要急着移动）；3.换至新的把位（但是不要急着抓按下一个和弦）；4.重新在新的和弦上施加压力（但是右手先不要拨弦）；5.演奏新的和弦。使用节拍器反复、系统地练习这个过程。当你感到换把能够完全放松时，逐步地开始将这5个步骤结合在一起（演奏/放松；换把；重新施压；演奏...然后，演奏/放松；换把/重新施压；演奏...然后，演奏/放松/换把/重新施压；演奏...最后，用一气呵成完成换把动作）。如果你能非常系统地对待这个练习，而且每个环节做到完美之后才继续往下进行的话，你的换把应该是放松的而且会得到很大的提高。
#练习基本左手姿势的最好的方式是通过演奏简单的半音阶练习（这样不用担心你下一个要弹什么音符——尽量弹得简单这样你变可能将注意力集中在你的技术上）。从某个把位的某跟弦开始。当你在这根弦上稳定之后，然后练习横跨三根弦演奏；然后练习横跨六根弦演奏（这是注意观察你的左手在横跨六根弦的过程中是如何与琴颈的平面产生轻微的变化的）。接着尝试在某根弦上演奏时进行换把；接着尝试横跨三根弦后换把；接着尝试横跨六根弦后换把。每一步都增加了演奏的复杂性，这些都是你在以后的高级曲目中可以用的到的技术，但是这些技能需要你在最基础的水平阶段首先掌握。
#在了解了以上所有的要点后，要记住，实际演奏中，所有以上的“规则”都有可能（而且也应该）完全被打破。你应当将这些规则当做是指导性的原则，你如果觉得有必要打破它们，一定要非常清楚你打破规则的充分的理由，并且找你的老师把把关。
最后一个你应当考虑的重要要点是：你使用左右手的技术越是一致、稳定，你的演奏就越是精准。如果你的双手不断地改变角度来演奏吉他，你的演奏将永无休止的复杂、困难。你的技术决定了你的表演能力的高度。如果你在演奏上还有什么不足，你就必须加强这些基本技术的训练从而获得控制力、精准度和你想要的速度。
正确视奏习惯的培养
学习音乐时的视奏（视唱）能力就如同学习语文或外语时的阅读能力一样重要。良好的视奏技巧可以使你在视奏新曲目时更加有趣，让你学习新的作品更加容易，而且，如果你打算以音乐为生，视奏能力还会为你打开职业生涯的大门。
1.在每次弹奏之前，都要提前“预读”作品。看看曲式和结构（有没有反复？有没有从头反复至...？曲目在何处结束？）；速度标记；拍数和调式标记；在拍数/调性上整篇作品有没有变化之处；最快的音符的时值（这有助于你确定你的演奏速度）；比较难掌握的节奏、换把或者和弦；其它任何有可能阻碍你顺畅视奏的难点。上面这些都是我在“预读”作品时所留意的东西。
2.演奏速度要有所保留。比原谱标记的速度演奏得慢依然可以弹出音乐意境。建议初次视奏时，不要弹奏曲谱所标的速度。
3.要去捕捉整个作品所要表达的思想和理念，而不是追求演奏的完美。换句话说，不要在落掉或弹错一个音符时，便将音乐停下来。在视奏阶段最为重要的事情是保持视奏的延续性。如果你视奏时过多地磕磕绊绊或者根本弹不成线条，那么你就应该把速度降低重新再来，或者选一首较为容易的作品。但是总的来说，你视奏时如果时有音符漏弹，但可以保持节奏的稳定的话，你（或者现场的观众）在接下来的小节中，将会忘掉你的错误，将注意力放在对整体作品的印象上。但是切记：你在练习你的作品时绝对不允许这样的—这个做法仅限于在视奏时使用。
4.训练你的眼睛（头脑）视奏时的提前量非常的重要。如果没有这种能力，视奏时根本无法做到弹奏的流畅。不要只看你正在弹出的音符-要看看你接下来要弹什么。就像你在开车时，你的速度越快，你就越需要往更远的地方看一样，视奏时也是这个原理。如果你做不到，你就需要把速度降下来，降至你的大脑可以先于你的手指速度提前看后面的音符的地步。
