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接第一章：引言
第二章 文献综述
本章将综述有关音乐记忆技巧的一般文献，特别是古典吉他。
记忆
音乐家们通常对记忆心理学不感兴趣，在某些情况下，他们没有明确的记忆音乐的策略。然而，在过去的一百年里，研究人员一直在研究学生和专业表演者如何记忆音乐。
2010年，詹妮弗·米什拉（Jennifer Mishra）编辑并分析了185篇关于记忆乐谱的文章，这些文章由音乐家和音乐教师撰写，并以英文期刊或书籍章节的形式发表，最早的一篇可追溯到1872年。1984年以来发表的文章（109篇）比上个世纪（76篇）要多，其中60%的文章侧重于键盘乐的记忆。许多期刊都表现出了反复的兴趣，发表了五篇以上关于记忆的文章，包括《美国音乐教师》《古典吉他》《键盘手》《练习曲》《音乐教育者杂志》《音乐》和《音乐时报》。
1927年，罗伯塔·布朗（Roberta Brown）进行了一项实验，比较了三种学习方法：整体法、局部法和组合法。在第一种方法中，一首乐曲从头到尾演奏，没有发生任何错误的停顿或重复小节。在局部方法中，曲谱被划分为多个单元，每个单元重复相同的次数。在组合方法中，乐曲从头到尾演奏，但对于出现错误的任何小节，都会添加相同数量的重复。这项研究未能在这三种方法之间找到最有效的方法，并根据所选作品的难度记录了不同的结果。
格雷斯·鲁宾·拉布森（Grace Rubin-Rabson）在1937年至1950年间发表了一系列关于键盘乐记忆和学习的研究。在研究中，她证明了仅靠键盘重复并不能产生牢固的记忆或好记性。只有在重复分析之前的乐谱，才能牢固记忆。1939年，鲁宾·拉布森发表了一系列六项研究中的第一项，称为“记忆钢琴音乐的心理学研究”。这种方法比较了在双手协调前分别记忆单只手和从一开始就学习双手协调的学习方法的安全性。她得出结论，在双手协调之前，分别记忆每只手可以提供更好的稳定性和清晰度，但不能转化为更快的学习。
1940年发表的第二项研究，试图验证分布式实践是否比大规模实践有任何好处。她得出结论，分布式实践的优势与个人的能力成反比，因此推荐给能力较差的学生。在该系列研究的第三项研究中，鲁宾·拉布森比较了音乐记忆的整体法和局部法。与布朗的观点一致，她得出的结论是，没有证据表明在记忆音乐时，整体法优于局部法。1941年，她的研究得出结论，诸如口头劝诫或现金奖励等激励措施，并没有引发任何留任的优势。最后，鲁宾·拉布森认为，在第一次读谱时，就必须有记忆的意图。
埃德加·罗斯（Edgar Ross）测试了使用引导分析来提高大学中管风乐器演奏者记忆效率的可能性。他总结道，记忆技巧必须适合每个人，没有一种方法能有效地适用于每个人。
2002年，詹妮弗·米什拉进行了一项效率研究，比较了四种不同的记忆策略：整体记忆、加法记忆、分段记忆和连续记忆。尽管所有技巧都成功地记住了音乐，但效率更高的参与者使用了整体方法，即把乐曲从头到尾重复一遍；加法记忆的效率也比较高，即重点放在乐曲的绝大部分，然后再添加其余小节。五年后，米什拉和威廉·巴克林（William Backlin）研究了在背谱表演音乐中改变表演环境和乐器语境的影响，这种理论最早是1932年约翰·麦克乔（John McGeoch）首次提出。他们的发现与斯蒂芬·史密斯（Stephen Smith）1982年的研究结论一致，并建议音乐家们应在不同的环境中练习，以减少在表演压力下的语境依赖性。
2014年，达康和德沃夏克（Dakan and Dvorak）对弦乐工作室的记忆技巧进行了调查。他们的研究结果——适用于大多数乐器——显示了许多可分为不同类别的技巧：
A、 分析
•分析演奏模式
•分析作品的曲式
•分析和声
•分析音符
•分析旋律
•分析伴奏
•分析音乐细节
B、 听觉
•听觉模仿
o用耳朵演奏
o使用录音协助演奏
•聆听示范演奏
C、 分段
•困难片段
•章节
•分句
•每小节逐个演奏
D、 重复
•整部作品重复
•重复分句或章节
E、 自我评价
•交替播放音乐和不播放音乐
•闭上眼睛
•完成乐句
F、 添加法
•分块
•增加小节
•添加章节
•反向演奏
•添加音符
•添加旋律
G、 歌唱
•唱出旋律
•说出指法
•先唱后弹
H、 动觉
•手指模式
•肌肉记忆
•左手和右手分离
I、 教学活动：
•修改音乐
•音色编码
•擦除音符
•闪卡
J、 可视化：
•在脑海中描绘音乐形象
K、心理练习：
•抛开乐器进行可视化的运指练习
2011年，丽贝卡·肖克利（Rebecca Shockley）出版了一本关于地图化（mapping）分析技巧的教程。地图化的概念指的是“抛开乐器研究曲谱，在纸上草草记下几个音符，以帮助记住作品的主要特征（旋律、和声或其他元素），并使用这个“地图”即兴创作音乐，构建自己的乐谱蓝图。”
作者声称，地图化技巧促进了快速学习和安全记忆，同时通过增强对音乐模式的识别有，助于读谱技能的发展。
可视化
演奏乐器对人脑有很大的要求。音乐家必须以极高的速度和准确性协调小动作，同时分析和操纵音色和节奏的最细微变化，以达到预期的艺术效果。可以说，音乐家们在听觉和运动领域的专业知识方面，没有任何其他专业的人敢来挑战，因此，在上个世纪，他们已经成为几项研究的对象，自功能磁共振成像（fMRI）问世以来，情况更是如此。
自20世纪30年代以来，已有100多项心理实践研究。这些研究的主要目的是探讨在执行动作技能之前，进行一定量的心理练习或排练，是否会提高后续表现。关于心理练习，科夫曼在1990年将其定义为“在没有肌肉运动或声音的情况下，对技能进行隐蔽或想象的排练”，这是音乐家、运动员、舞蹈家、飞行员、外科医生等专业人士以及中风康复领域的一种重要排练技巧。虽然所有这些职业都需要精细动作技能的协调，但从事心理练习的音乐家无法获得他们排练动作的最终结果，即声音的产生。
弗拉基米尔·霍洛维茨（Vladimir Horowitz）和阿瑟·鲁宾斯坦（Arthur Rubinstein）等几位音乐家出于几个原因，讨论了使用心理练习的好处，例如避免钢琴以外的反馈，或者进行更有效的练习。研究现已证明，音乐家每天使用心理练习的益处，不仅有助于运动规划，增强记忆力，而且由于认知行为的增强，可以增加对其他音乐元素（如时间和音色）的控制力。
有明确的证据支持在音乐家学习期间使用运动想象（Motor imagery）。雅各布森是第一个得出以下结论的作者：肌肉活动是由运动想象引起的，这些反应与执行该任务相关的肌肉群相一致。2004年，Meister将运动想象确定为心理练习的主要组成部分，并声称“运动想象表示对动作的心理模拟，涉及执行过程中活跃的视觉运动系统的大部分部分。”功能成像研究表明，与表演的一组相比，参与两种运动想象的一组受试者激活的大脑区域基本相同。因此，从事运动可视化的音乐家将加强他们的运动技能，同时提高他们对所演奏音乐的认知理解。这意味着在较短的时间内完成更自信的表演。
还有证据表明，对于手头任务技能水平较高的受试者来说，心理练习会更有效。这是由于功能可塑性，鲍曼将其定义为“由于训练或经验历史而引起的恒定刺激引起的任何类型的神经元活动改变。”例如，2007年的一项大脑成像扫描研究表明，与更不具体、更分散的大脑活动相比，钢琴家手指运动中涉及的活动模式区域更加集中在非音乐家控制中。Lotze在2003年获得了相同的结果，证明与执行相同任务的非专业人员相比，专业人员的大脑区域激活更少。此外，芒福德和霍尔发现，高级花样滑冰运动员比初级或新手滑冰运动员更善于动觉成像；在1987年对700多名运动员进行的一项研究中，马奥尼、加布里埃尔和帕金斯得出结论，与非精英运动员相比，精英运动员更依赖于内部聚焦和动觉意象。
心理练习并不意味着取代物理练习，事实上，专用的物理练习通常优于专用的心理练习。然而，心里练习和物理练习的结合，可以比单独使用物理练习更有效，或至少一样有效。此外，在某些情况下，例如记忆的过度学习阶段，心理练习似乎优于物理练习。
记忆与古典吉他
目前还没有专门针对古典吉他背谱的研究，该主题仅在吉他杂志和其他一些出版物中简要提及。
在1983年一篇关于巴洛克吉他的文章中，迈克尔·洛里默指出，他并没有死记硬背，而是朝着完美地阅读一首作品而努力。他的论点暗示记忆不是学习过程中的一个单独阶段，而是实践的结果。当“声音图像和触觉发展起来时，记忆就会自然而然地发生。”
在20世纪80年代，理查德·普罗沃斯特发表了一系列关于“实践的艺术和技巧”的文章（汇编在本文第四部分中），他将心理练习，即在不接触吉他的情况下看谱和听乐曲的能力，确定为“可以使用的最重要的技巧之一，应该成为日常练习的一部分。”
普罗沃斯特还出版了一本书《关于练习的艺术和技巧》，他在书中用了整整一章来讲述记忆。在这本出版物中，他指出，为了记住一首曲子，吉他家需要知道作品的不同部分、右手指法、左手指法、和声、动力学，以及作为独立单元的部分。此外，他们必须能够唱出旋律、低音线和中声部，并从头到尾演奏这首曲子。此外，他还陈述了以下关于记忆的事实：
•分次练习比一次长时间练习更有效地学习和保持记忆。
•双手同时练习比双手单独练习难度相似的音乐更有效。
•练习前的乐谱分析/学习提高了学习效率。
•一旦吉他家学会并记住了一个部分，他们只需要偶尔练习即可保持记忆。
•闭上眼睛看曲谱可以提高记忆力。
•熟悉新音乐作品的演奏模式，有助于记忆。
•意识到音乐中的相关和可选的模式，可以简化记忆。
•作曲和结构意识有助于记忆。
1990年至1994年间，莎伦·伊斯宾在每一期《原声吉他》杂志中都发表了一篇名为“大师班”的专栏文章，回答了读者的不同问题。其中50个专栏于1999年发表在一本名为《古典吉他问答》的书中。这本大师课程汇编涵盖了有关古典吉他的最常见问题，其中一个涉及记忆。
伊斯宾在专栏的开头说，表演者越了解一首曲子的结构，就越容易记住它。她认为“一个人记住乐谱的能力是通过清楚地理解作品的词句和旋律、节奏和和声结构来增强的。”
本专栏提供的记忆方法包括三个部分：分析、动作重复和可视化。在开始马达式的重复阶段之前，吉他手必须首先选择左手和右手的指法。然后，这首曲子必须分小段或短句练习。
该方法的最后一个阶段包括内部可视化，想象表演者看到的手部动作。与乐谱的可视化相比，伊斯宾更喜欢这种可视化方式，即她可以看到每个手指放在琴颈的位置上，因为“这些是大脑在发出声音之前发送的最后图像。”
1992年，艾丽西亚（Alicia Kopfstein Penk）为《吉他评论》写了一篇关于“记忆艺术”的文章。在这篇文章中，她认为“优秀表演者和平庸表演者的区别之一是他们的记忆方法。”艾丽西亚认为，表现较差的人使用的是仅依赖肌肉记忆的有限记忆系统。为了实现完美的记忆，她提出了一种由五部分组成的方法来强化所有记忆：
A、 物理动觉记忆，或肌肉记忆。
•这是通过定期练习演奏和打磨音乐的结果，还有排练。
B、 心理动觉记忆。
•这是对演奏乐曲的身体感觉的记忆，在练习过程中注意这些感觉。
C、 可视化记忆。
•这是指对动作执行的视觉记忆，手指视觉感，表演时要注意，手指是如何移动的，以及往哪里运动。
•这一阶段也可以包括对乐谱的照片记忆，但是这将因人而异，因为有些人可能会发现这会分散表演的注意力。
D、 听觉记忆。
•记忆乐曲的发音。
E、 作品的结构记忆。
艾丽西亚还认为，最有效的记忆发生在睡觉前，因为“如果在睡觉前立即记忆信息，而不是在清醒期开始时记忆信息，大脑会更好地保留信息。”
大卫罗素在1995年的一次采访中简要提到了动觉可视化作为最终的记忆测试。他声称，当表演者紧张时，肌肉记忆是“第一件要做的事”，在黑板上可视化手指动作将提高自信心。
丹尼斯·阿扎巴基奇在他的书《论吉他比赛》中有一章是关于记忆的，内容是心理准备和记忆。他承认自己在参加比赛时比在音乐会上更注重记忆。为了完全记住一部作品，他进行了形象化。和伊斯宾一样，他的可视化技术也包括对他的手部动作，尤其是左手的心理想象。他解释了原因：
假设我们需要记住一个音符：F（第一弦上的那个）。为了记住如何弹奏这个音符，我们必须记住音符（它的音高）、我们按下的手指和弹奏音符的琴弦。这个特别的音符我们可以在三个不同的弦上演奏（甚至四个），所以仅仅知道我们必须演奏F是不够的。
阿扎巴吉暗示，可视化是记忆音乐最有效的方法。他认为，在运动重复之后，手指成为领导者，大脑起次要作用；而实际上，情况应该相反，大脑应该有领导，手指应该跟随。作者在这一章的结尾说：“当我想确保我能很好地记住音乐时，我就是这么做的。”
理查德·佩里提供了一种学习新音乐作品的方法。他简要地提到了记忆，虽然他没有具体说明吉他手是如何准确地记忆音乐的，但他暗示这是通过处理音乐的小片段自动发生的。佩里建议，要正确记住大约八小节的音乐，至少需要30分钟的精力高度集中。
2012年，卡洛斯·博内尔将舞台上忘谱描述为“所有表演艺术家最大的恐惧”，他的记忆方法由三部分组成：条件反射、可视化和联想。条件反射是指肌肉记忆，在运动重复后自动发生。可视化阶段与沙朗依斯宾和丹尼斯·阿扎巴基奇之前描述的阶段相同。第三阶段，联想，旨在加强分析记忆。它诱使人们发现音符之间的关系、演奏模式与和声联系。
（未完待续）
