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很多学习指弹的朋友，能够弹奏很多曲子，练得也不错，只是一直对乐理一窍不通，慢慢得感觉遇到了瓶颈，该怎么进一步学习呢？作者也玩指弹，经历有过一样的状况，这里分享一下自己的经验和理解：
第一、思路上要转变
练指弹的大多都看六线谱，这导致对音符的第一反应是指板上的位置，而不是音高。既然想学乐理，一定要先把意识放在音上，而不是指板位置或演奏技巧。若不扭转这点，对于乐理学习没有帮助暂且不提，当绞尽脑汁学了乐理之后，却因此在吉他应用不了——这真是太苦闷。
第二、心态要调整好
若已经能弹上一些“大”曲子，并且有一些演出经验时，很容易心态膨胀。这时，即便意识到了乐理的重要性，但当从最基本的内容开始时，潜意识里往往却是这样：“我已经这么牛了，这些简单的看看就好。”这会导致基础打的不牢固，以后学深了还得回头修正。若是如此反复过多，别说学乐理了，对音乐都会产生抵触的负面情绪——这岂不更悲伤。
总结一句狠话：指弹曲子即便练的再多（六线谱生搬死磕法），对学乐理一点用都没有！——若能坦然的认可这句话的时候，想必乐理学习也就步入正轨了。
以上两点是我当时遇到的最大的障碍。大家若有则望重视，若无则共勉之。
附上一篇我对我自己乐理知识体系的总结，供参考：
我的乐理知识体系，因篇幅有限难以面面详尽，但描摹框架我想绰绰有余。闲言不表，进入正题——核心思路：以音乐的四个要素为基点，通过彼此连接与各自深入构建而成。
音乐的基本三要素：节奏、旋律、和声，除此之外，最为关键的一个即是调性。所以，框架以这四个作为基点进行构建。
第一个点是旋律
旋律在音乐中是一条“线”，一般是由单个音符链接而成。但是，当思考旋律的时候，一个个音符的去考量是很困难的——每需要一个音符做一次12选1。况且在旋律中，几乎没有囊括所有12个音符的情形。所以一般用音阶来作为思考旋律的方式——无论是五音、七音、八音，总是比12选1要强上许多。
第二个点是和声
和声在音乐中是一个“面”，一般由四个音符组合而成。如旋律一样，用一个个音符去思考和声也是非常困难的。所以，于旋律而言有了音阶，而在和声的部分则有了和弦。无论是七、九、十一、十三、还是大小属半减，这总比挨个说音名的方式简单的多了。
现在，旋律有了音阶，和声上有了和弦。于是有了第一条链接——旋律功能：任何一个在音阶中的音符，所对应的和弦是什么？和弦音？引申音？变化引申音？避用音？我将其称作旋律与和声的协和程度。而从即兴的角度，这样的思路对应Chord-Scale System：当遇到一个和弦，找一条音阶与之对应。说起来虽容易，做起来不简单——一个和弦可以对应许多条音阶，那么选哪个？做一个旋律功能的分析吧。
以上是纵向的联系，还有横向的角度。音乐不仅是音符的艺术，也是时间的艺术。并且只有一个音阶、或一个和弦的乐曲极为少见。旋律与和声会随着音乐的进行而不断的变化，这种变化并不是毫无章法的。所以，在旋律与和声中的各个音符之间会有一定的关系，我把其称作音乐的“系统”——调性。
第三个点调性
对于调性，着实更多的内容在于调式：如大调式、小调式（自然、和声、旋律）……对应旋律与和声，也就有了调性音阶与调性和弦。在这样的“系统”下，旋律与和声横向的进行的有了章法。于是，也有了每个音符对于调性的考量——调性内音（稳定音、不稳定音）、调性外音（极不稳定音）。我把这称作调性的稳定程度。而从即兴的角度，这样的思路对应Key Center——通过对调性的判别，选择对应的调性音阶。
到这里，有了两个维度：纵向意味着协和性，横向代表了稳定性。当然，若是乐曲中用了较少的音符，倒是可以两全其美。但在实际中两者经常存在相悖的情况：在音符的角度，两个维度带给音符双重的“身份”。而在即兴的角度，我想调式音阶是其相连的“桥梁”。
就这样？还不够。现在仅仅是能做一些判断、分析与选择。再进一步，需要深入的拓展一些应用的思路——我更喜欢“组织”这个词。
对于旋律，单独旋律也可分析。旋律中的每个音符，是主要音还是次要音？主要音如何甄别？次要音有何类别？而对于作为旋律素材的音阶，也可以进一步丰富：旋律小调调式、和声小调调式、增减音阶、各类风格音阶……嗯，然后加之各音阶音之间的排列组合吧。
对于和声，调式和弦太过局限。富化、次属、2-5、代用、互代……和声进行可谓招式繁多。况且由于现代和声的复杂性，对于同一个和声进行并不只有一种解读角度。同样的，也可再进一步，和弦Voicing与四部和声，着实是值得毕生研习的。啊，这似乎也是一个排列组合问题。
对于调性，并不是一成不变的。转调、离调、移调等调性变化。仅单就转调而言，若是细分：等音转、等和弦转、同主音转、突然转、近关系转、远关系转……转转转，如陀螺一样的转。在这之后，可研习各个调式——无论是各教会调式，还是各民族调式。另外，探求一番多调性与无调性也是很有乐趣的。
至此也差不多了，似乎剩下的就是不停的练习与分析、实践与积累。最起码的，有了这些思路，我想也算是应了那句：用“脑袋”弹琴了。但四个要素只说了仨——“三缺一，不成局”。而按照国际惯例，最后出场的往往都是最重要的。所以，并不例外，也难意外，最后的即是——节奏。
第四个点节奏
啊，节奏，你是音乐的生命；有了你，才有了音乐。节奏的重要我想无需多言——只有音符，不一定是音乐；没有节奏，一定不是音乐。
所以在音乐中节奏是贯穿始终的，难以缺省的。在音符的角度，对于节奏而言即是两点：时值与强弱。但是对于时值一般还算可以，而对于强弱往往惨遭忽视。无论是以小节为循环的强弱规律，还是在实际演奏中的力度掌控。唯有掌握了强弱，我想才是完成了从“能弹”到“会弹”的跨越。
对于节奏再进一步，我想即是律动。对于律动若有所忽视，独奏上为之尚可，在合作上暴露无遗。常有这样的状况：乐队中每个人弹的虽然没问题，但融合不到一起去。这就像说不同方言的人，各讲自己的都没问题，但彼此之间却难以交流。
再深一层的话，我想曲风的本质区别即是律动的差别。所以对于音乐的各个风格，首先在节奏上进行分析与对比是极好的。而从旋律与和声的角度来看，若是把调性当成是对其第一层“束缚”，那么曲风则是第二层“限制”。
以上便是我的整个体系。一方面，希望能对大家有所启发；另一方面，更期待大家能提出意见，通过交流以精进与完善。篇幅有限，言语难明；附图一张，供君品评。
