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大部分的古典音乐演奏家不会花太多的时间进行即兴音乐的创作。我们只是通过读谱来演绎别人已经写好的音乐。因此，我们最主要的目标就是要非常完美的演绎成形音乐作品。正像作曲家要去研究别人的作品，随时捕捉正确的乐思，并且精心编排整个作品的演绎思路一样，我们演奏者也需要研究音乐演绎表现技巧，要能够即兴地表现出我们的演绎思想，能够精心编排整个作品的演绎思路。
神话、魔幻的即时演绎
经常听到学生们说他们不想对他们的演绎反复思考，他们更喜欢让音乐随着他们演奏的那一刻感觉走。这听起来并不是一个糟糕的想法，但是这个理念下会产生一些严重的问题。如果你没有花费大量的时将来提高你的即兴演绎技巧，那么你即时的发挥就有可能失败；也或者，如果你演奏时很紧张，而却事先又没有经过深思熟虑，你的要的即时演绎效果就不可能达到。
除非你自认为自己属于大师级的音乐家，已不需要在学习什么音乐表现技巧，我建议各位还是要花一些时将研究一下音乐的演绎技巧。对我来说，这是令我非常开心，同时有很有益的练习，我希望如果你们现在还没有享受到这种乐趣的话，将来一定会喜欢上这个技巧练习的。
尽早的考虑演绎编排
对于一部作品的演绎编排，考虑的越早越好。所谓“早”考虑，我是说两个方面的意思：这样作你永远不会成为一个太没有经验的演奏者；而且作品永远对你来说不会太新鲜。任何的演奏者，无论他处于哪个阶段的水平，都始终要积极的思考音乐演绎的编排。
在许多次的大师课上，我都会看见从头至尾将作品演奏的非常完整扎实的学生。他们的记忆力惊人，技术游刃有余，但是音乐的表现却平淡无味。观众可能会认为“这个人太紧张了。” 或者最终变成对他的音乐表现力的差评，“这个演奏者不太会表达音乐。”但是我经常发现事实并非如此。太多的情况是，这些技术上非常好的演奏者根本就没有考虑过音乐表现的基本要素，这才是他们平淡无味的演奏的真正原因。当我问他们非常简单的问题，像“这部分的旋律是什么？你能唱出来吗？高潮部分在哪里？”时，学生往往给不出清晰的答案。他们的谱子一片空白 —— 这说明了他们平时几乎很少去考虑这些问题。
研究“游戏”的规则
在体育运动中，人们经常会谈到要作“游戏的学生”。这一点在音乐上同样适用。提高你的音乐演绎能力非常重要的一步就是要更好地理解这个“游戏”的规则。演绎的方法很多，在这些方法之中，又有无数的方式去通过细节大打磨来构成整体的作品演绎。你越是理解你的喜欢和不喜欢的标准，成功与失败的界定，作品是否符合它的时代特征等这些东西，你就越有可能更好地向你的听众传达你的思想。
那么，如何能做一个好的学习“游戏”规则的学生呢？每次听音乐时或者听CD时，要使用你“挑剔的听”的技巧。演奏者演奏的哪一点你喜欢？哪一点打动了你？哪一点你不喜欢？哪一点你不理解？哪一点让你感觉无聊？你越是能够非常具体的指出你所喜欢或不喜欢的地方，你在自己去演奏这个曲目时就越会具有你自己的思想。
了解谱面，找出音乐
那么，如何开始你自己的演奏呢？对作品的结构要有所了解是非常重要的，因为这是一部作品的内容理解的基础。因此，要花费一点时间演奏曲谱。曲谱就是我们的向导，它在作曲家想要表达什么上提供了非常重要的线索。你应该和作曲家开始你们的对话。你扮演着观众的翻译的角色，所以你首先要弄懂作曲家要传达的信息。作品的名称是什么？它是什么意思？作品的结构形式是什么？这是种传统的音乐形式吗？（如奏鸣曲式、舞曲、套曲、探戈等，这些音乐形式你都要充分了解，以便更加理解作品的精神。）有速度的记号吗？一开始作曲家给出你音乐动态的标记了吗？你能理解全部的音乐指示和标记符号吗？你应该记录下来音乐家给你留下的所有这些线索，之后才能开始你自己对作品的演绎编排。
你一开始阅读作品时，你应该自然地去发现下面这些要点：主要的乐句在哪里？高潮部分出现在哪里？旋律是什么？在你作出你自己的演绎编排之前你应该确保上述的要点你都已找到、领会。如果你发现自己一开始不能自然地发现上面的要点，那么建议你要改善自己的音乐洞察和理解技巧了。在你学习音符的同时要把这个技巧当成重要的一环来认真对待学习。
演绎的即兴发挥
现在，真正的乐趣开始了。练习你的即兴演绎能力的最好方法是从简单的索尔练习曲开始。索尔的作品上音乐标记的很少，这样留给我们做即兴发挥的实验余地就很大。乐句都是典型的非常工整，这样使我们很容易去演奏短小的乐句以看看我们是如何编排我们的演绎的。将索尔任何练习曲中的前8个小节挑出来练习。你能听出它们又能分成每四个小节为乐句的结构吗？乐句你想如何表现呢？现在就可以开始考虑动态和色彩的元素了。（将来，你会进一步考虑其它影响乐句表现的元素，包括：自由节奏、音乐（气息）表现法以及颤音、柔弦等。）当你想出一个想法时，就要试一试。
我的演绎编排怎么样？演奏的还行吧？有没有什么不喜欢的地方？然后在试试别的方式。改变之后好些吗？还是更差了？亦或只是不同而已？至少要尝试三种不同的演绎方式，你从不同的角度去听听它们的效果。根据你的喜好，你就放开大胆地尝试吧。最终，你会找到让你最有感觉的一两个演绎的。用铅笔将你的想法写下来，然后继续往下进行8个小节的尝试。采用同样的方法进行尝试。
有的时候，当你往下进行乐句演绎的编排时，你可能会改变之前乐句的演绎想法。这很棒—— 这就是为什么我建议你要用笔把你的想法写下来的原因。谱面上写出你的想法的部分上说明你对如何表现已部作品已经做过思考；同样，谱面上空白的部分说明你可能对该部分的演绎要做进一步的思考。在谱面上将想法写出来并不意味着你永远不会改动，但是铺面上什么都没有只能说明你对作品的忽视或者不够投入。为了让观众信服你的演绎，你必须100%地投入。有时候我可能不太赞同某位演奏家对作品的演绎方式，但是只要他们是全身心的投入作品的演绎编排中的，我就绝不会感到无聊，而且即便是我不太欣赏某种演绎，我也会真正地享受这种演绎的过程。
大胆演绎，无所畏惧
我曾经注意到许多缺乏经验的学生很害怕尝试去表现自己。“我还有许多东西需要顾及…我怎么能知道什么听起来不错？我太缺乏这方面的经验了。”这话如果你听起来很耳熟，就赶紧把这些借口抛掉吧。对于“还有许多东西要顾及”这个问题，我的反驳是：没错，你确实要有很多问题要考虑，然而，你其它方面的进展并不能改变你的音乐表现好坏—— 你总会有很多问题要考虑！解决问题的关键在于在你开始之前，你要单独去考虑演绎的编排，慢慢地去尝试你的新的想法。对于“我怎么能知道什么听起来不错”这个问题，我要说：你知道的不少。你在生活中无时无刻不在听着音乐，而且你一定非常明确地知道你喜欢什么，不喜欢什么。不要害怕去试验多样的演奏表现方法，而且要判断你自己的演绎中你喜欢哪些，又不喜欢哪些。你也应该多听其他演奏者的演奏，而且尽最大努力了解你所演奏的曲目的来源与背景知识。你的个人想法虽然很重要，但是符合音乐风格的要求更为重要。
音乐的演绎就如同即兴创作，没有完全的正确与错误。只是有的想法听起来比另一个更好而已。但是即便是最伟大的音乐家们在什么是“最好”的演绎这个问题上也不能达成一致。不要害怕去找出能令你感动的演绎，而且要高度的重视它。你对自己的演绎越是坚定，观众就越会信服你，就会正真地理解你的演奏。
下面的泰雷嘉的这首《前奏曲》是个非常好的练习演绎编排的例子。演奏者应首要考虑乐句的划分。谱面上已经有了一些音乐标记，但是还远远不够。试验将你的不同想法写出来，完全投入地将你的“理想的”演绎计划写出。
学习提示：
· 第14小节是一个具有意外色彩的泛音，你可以考虑改编色彩来突出这一有趣的时刻。
· 不要对18小节的无限延长符号所担心。享受这一时刻，可以使用一些柔弦，但是柔弦的手指不要移动的过快。
